Exhibición Zeus

Zeus es el dios supremo en la mitología griega, llamado Júpiter en la mitología romana y Tinia o Tin en la etrusca. Era hermano de Neptuno y de Plutón: al primero de ellos le dió el mar, y al segundo el infierno, reservándose para sí mismo el cielo y la tierra.

Venció a los gigantes, hijos de Titán y después de la victoria, se entregó por completo a los placeres.

Júpiter era adorado bajo varios nombres en todas partes, pero particularmente en Dodona y en Olimpia; por eso uno de sus muchos nombres era el de Júpiter Olímpico.

Con sólo un ademán o un gesto, hacia temblar el Olimpo. Sus decretos eran inviolables y únicamente las Parcas o el Destino podían ir en contra de ellos.

Juno y Júpiter

Zeus y Tetis, 1811

Júpiter y Juno

Exhibición Venus

Venus era una importante diosa romana relacionada principalmente con el amor, la belleza y la fertilidad, que desempeñaba un papel crucial en muchas fiestas y mitos religiosos romanos. Desde el siglo III a. C., la creciente helenización de las clases altas romanas la identificó como equivalente de la diosa griega Afrodita. De esta forma Venus fue la esposa de Vulcano, Virgilio, como halago a su patrón Augusto y al gens Julia hizo a Venus, a quien Julio César adoptó como su protectora, ancestro del pueblo romano a través de su legendario fundador Eneas y su hijo Iulus.^{[cita requerida]}

Alegoría del triunfo de Venus, 1540

obra pictórica de Bronzino realizada posiblemente entre los años 1540 a 1550, durante la corte del duque Cosme I de Médici.

Amor sacro y amor profano, 1515

 una escena con tres figuras: dos mujeres y un niño alrededor de una fuente de piedra ricamente decorada, situados en un paisaje iluminado por una puesta de sol. Las mujeres, de belleza renacentista, son de similares características, habiéndose pensado en ocasiones que se trata de la misma persona.

Cupido desatando el cinto de Venus, 1788

Se representa de una manera poco habitual a la diosa Venus, recostada en la cama, semidesnuda y ocultando medio rostro con su mano derecha. Mientras, Cupido intenta desatar el cinturón del vestido de la diosa. La joven que sirvió al pintor de modelo fue Emma Hart.

El nacimiento de Venus, 1445

El nacimiento de Venus es una pintura de Sandro Botticelli. El nacimiento de Venus representa una de las obras cumbres del maestro italiano. 

Ofrenda a Venus, 1520

Esculturas Bernini

Miguel Ángel dijo una vez que él no creó esculturas sino, más bien, liberaba seres de dentro de bloques de piedra. Él es conocido por dar vida a la roca. Sin embargo, otro gran escultor logró traer credibilidad a la piedra de modo que parecía moverse y vivir.

Este fue Gian Lorenzo Bernini, un arquitecto italiano y artista nacido en Nápoles y que predominantemente trabajó en Roma. A lo largo de la ciudad queda un rastro de sus obras maestras que realmente hay que ver para creer.



El rapto de Proserpina, 1622

Representa el rapto de Proserpina por el Dios del Inframundo, Plutón. También se encuentra en la Galleria Borghese, esta obra se terminó en 1622, cuando Bernini tenía sólo 23 años. Es una de sus obras maestras, si no su mejor trabajo, debido a la forma en que usa sus materiales. Bajo el toque de Bernini, el mármol es como la carne. Esto es particularmente evidente si nos fijamos en las manos de Plutón sobre el muslo y la cintura de Proserpina, hundiéndose en su piel como si fuera real. Es una escultura asombrosa por sí misma, pero combinada con el drama de la escena y la credibilidad de las expresiones, es impresionante.



Éxtasis de la beata Ludovica Albertoni, 1674

Este trabajo se encuentra en la iglesia de San Francesco a Ripa y es un monumento funerario. Terminado en 1674, fue creado para la capilla de Altieri. Representa la figura piadosa de Ludovica Albertoni, una noble romana que entró en la Tercera Orden de San Francisco tras la muerte de su marido y más tarde beatificada. Ludovica se muestra en comunión mística con Dios y su movimiento arqueado y los pliegues de la ropa de la cama parecen como si tuviese vida real en lugar de ser de piedra.





Apolo y Dafne, 1622

Una de sus obras más famosas, esta esculptura en la Galeria Borghese muestra la ninfa, Dafne perseguida por el dios Apolo. Cuando él la alcanza, sin embargo, ella envía una oración a su padre, un dios del río. Ella desea ser salvada de Apolo y, al hacerlo, la transforma en un árbol. En la escultura vemos como la transformación ocurre. Los brazos de Daphne se vuelven ramas y un tronco aparece debajo de ella.



Éxtasis de Santa Teresa, 1647

Situada en la capilla Cornaro de Santa Maria della Vittoria, representa a Santa Teresa en un estado de éxtasis religioso de una manera teatral. La luz divina brilla en ella desde arriba y un ángel del Señor desciende sobre ella. Teresa, con ostentación de sus túnicas voluminosas, se arqua hacia arriba y hace un gesto de alegría y entra en èxtasis, incapaz de soportar la majestuosidad de lo que le está sucediendo. La pasión de esta historia y la tensión innata de la obra, la aporta realidad y esto hace que el espectador quede conmovido.

Esculturas Antonio Corradini

Antonio Corradini (1688 - 1752) fue un escultor rococó veneciano. Corradini nació en Venecia y trabajó principalmente en el Véneto, pero también completó comisiones en toda Europa, viviendo por períodos de su vida en Alemania, Viena y Nápoles, donde murió, poco después de terminar la modestia (abajo), sin duda su obra más célebre.

Corradini, que fue mejor conocido por sus estatuas de mármol con velo, fue aprendiz de escultor de Antonio Tarsia comenzando a la edad de catorce o quince años. Empezó a trabajar como escultor en 1709, abriendo su propio taller en 1713

Modestia, 1752

Busto de una mujer con velo, 1725

Tuccia

Femme voilée

Exhibición de Cleopatra

Cleopatra ha inspirado a artistas desde el Renacimiento. Ella fue al principio una gran reina a cuyos encantos sucumbieron César y Antonio, dos de los más poderosos líderes militares romanos. Por otro lado, hubo su trágico suicidio, que privó al vencedor al menos de una parte de su triunfo. Aunque los autores antiguos están de acuerdo en que Cleopatra fue mordida en la mano por una serpiente. La mordedura en el pecho era una invención de Shakespeare, que entonces fue llevado con avidez por las artes visuales.

CUADROS

Guido Reni, La muerte de Cleopatra 1625-30

Guido Cagnacci, Muerte de Cleopatra 1658

El banquete de Cleopatra, Gerard Lairesse 1680

La muerte de Cleopatra, Jean-Baptiste Regnault 1796

Cleopatra antes de César, Jean-Léon Gérôme 1866

La muerte de Cleopatra, Hans Makart 1875

Cleopatra probando veneno en prisioneros condenados, Alexandre Cabanel 1887

Cleopatra en las terrazas de Philae, Frederick Arthur Bridgman 1896

Gyula Benczúr, La muerte de Cleopatra 1911

ART DECO


 Henry Clive 1946


Rolf Armstrong, 1939



Joseph Christian Leyendecker, 1920

Esculturas de Alfons Mucha

Nature, 1900

Head Of A Girl, 1900

Nude On A Rock, 1899

Cuadros de Alfons Mucha

Cartel para Sarah Bernhardt, 1894

Mucha retrató a Sara Bernhardt como una exótica noble bizantina llevando un velo y una corona de orquídeas con una rama de palma en la mano. Este traje fue llevado en el último acto de la Gismonda. Mucha representó la belleza y la dignidad de su personalidad en el escenario en lugar de representar sus características realistas. Bernhardt, encantada con el diseño, siguió usandolo para su tour americano en 1896.

Biscuits Lefèvre-Utile, 1896

Esta particular pieza fue creada en 1896 para la compañía francesa, Lefèvre Utile, el año previo ya había hecho algo parecido para la compañía. Esta pieza se hace eco del estilo Art Noveau de Mucha, que está todo los lejos posible de trabajos como Slav Epic y Le Pater.

Calendar champagne, 1897

Madonna Of The Lilies, 1905

En 1902, Mucha fue comisionado para decorar una iglesia en Jerusalén dedicada a la Virgen María. Este es el resultado final de "Madon Of The Lilies", uno de los murales de la iglesia. El proyecto fue cancelado más tarde por razones desconocidas, todo lo que queda de esta comisión es este cuadro y una versión anterior a él. Según la carta de Mucha a su mujer Maruška, él concibió el pryecto como "Virgo Purissima", representando así la visión celestial de Madonna con una masa de lirios, símbolo de pureza. La joven sentada vestida con un traje folclórico eslavo lleva una guirnalda de hojas de hiedra, símbolo de recuerdo. Su expresión y fuerte apariencia física contrasta con la etérea figura de la Virgen.

Las 4 estaciones, 1896

Este fue el primer set de paneles decorativos de Mucha y se convirtió en una de sus series más populares. Fue tan popular que Champenois le pidió a Mucha producir al menos dos sets más basados en el mismo tema en 1897 y 1900. Existen dos diseños más. La idea de personificar las estaciones no era nada nuevo, sin embargo las mujeres-ninfas de Mucha se pusieron en contra de las vistas estacionales del campo y dieron un nuevo soplo al tema clásico. En los cuatro paneles expuestos, Mucha captura el ánimo de las estaciones, inocente primavera, sofocante verano, fructífero otoño y escarchado invierno, y juntas representan el harmonioso ciclo de la naturaleza.

Alfons Mucha

Alfons Mucha (24 de julio de 1860 - 14 de julio de 1939) fue un pintor y artista decorativo checo, ampliamente reconocido por ser uno de los máximos exponentes del Art Nouveau.Nació en la ciudad de Ivancice (Moravia, Imperio austríaco) el 24 de julio de 1860. Sus habilidades para el canto le permitieron continuar su educación secundaria en Brno, capital de Moravia; sin embargo desde niño se sintió principalmente atraído por el dibujo. Trabajó en empleos de pintura decorativa en Moravia, principalmente para puestas teatrales. En 1879 se mudó a Viena para trabajar con una compañía vienesa de diseño teatral logrando informalmente completar su educación artística. Cuando en 1881 un incendio destruyó el negocio de sus empleadores, regresó a Moravia, trabajando de manera independiente, haciendo pinturas decorativas y retratos. El Conde Kart Khuen de Mikulov lo contrató para decorar con murales el Castillo de Hrusovany Emmahof, y quedó tan gratamente impresionado que acordó apadrinar el aprendizaje formal de Mucha en la Academia de Bellas Artes de Múnich. Perteneció a la masonería y llegó a ser Gran Maestro de la Gran Logia de Checoslovaquia. Además de estar muy interesado en el Esoterismo, teniendo relación con otras organizaciones esotéricas e iniciáticas aparte de la masonería, en la que también llegó a ostentar el grado 33º del Rito Escocés Antiguo y Aceptado.

Cuadros de Gustav Klimt

El beso, 1907

La obra más famosa de Klimt es El Beso, exhibida por primera vez en la Exposición de Arte de 1908 junto a Las Tres Edades de la Mujer. En esa muestra se titulaba Los Amantes y fue adquirida al finalizar la exposición por el ministro de Educación, doctor Marchet, para la Galería Austrica, lo que fue interpretado como un "excelente servicio a nuestro arte moderno" por Ludwig Hevesi. La obra recibió una entusiasta crítica desde el primer momento, convirtiéndose en uno de los símbolos de la Secession, a pesar de estar ya roto el grupo.Las figuras de los amantes están representadas ante un fondo dorado que enlaza con los iconos bizantinos y rusos. La pareja se abraza ante un reducido prado repleto de florecillas, siendo difícil interpretar si están arrodillados o de pie. Ese prado finaliza de forma brusca, como si el pintor quisiera situar a los amantes al borde del precipicio. La pareja se enmarca también con una aureola dorada, vistiendo ambas figuras de ese color, adornadas sus vestimentas con rectángulos negros y grises el hombre -interpretados por Schorske como un símbolo fálico- y círculos de colores el de la mujer. El ceñido vestido nos presenta claramente las formas femeninas, dejando ver piernas, hombros y brazos, sujetándose la joven con los dedos de los pies para evitar el precipicio. Su cabeza presenta una escorzada postura, inclinada hacia atrás y vuelta de lado, mirando hacia la perspectiva del espectador a pesar de sus ojos cerrados.

Muerte y vida, 1916

La vida y la muerte será una de las temáticas favoritas de Klimt que se extenderá a los miembros del expresionismo como Schiele o Munch. Algunos especialistas relacionan el auge de este asunto con la percepción de la vejez por parte del artista, al tiempo que ve más cerca la muerte.En la zona de la derecha encontramos un grupo de personas amontonadas -en relación con las imágenes de las facultades pintadas años atrás- encabezadas por el abrazo protector de la madre al hijo mientras que en la parte baja del grupo contemplamos un nuevo abrazo, ahora el de un hombre a una mujer, eliminando toda referencia erótica para mostrarnos "el amor como refugio y consuelo" (Eva di Stefano). En la zona de la izquierda podemos contemplar a la amenazante figura de la muerte, envuelta en un oscuro sudario decorado con cruces y dirigiendo su expresiva mirada hacia el grupo de la humanidad, grupo que parece no hacer caso a la amenaza que se le viene encima, como si continuaran en su moderna danza, relacionándose así con la tradicional danza macabra de los muertos.

Adele Bloch-Bauer I,1907

El retrato de Adele Bloch-Bauer es el más famoso entre los pintados por Klimt y la obra maestra del llamado "estilo dorado". Su elaboración fue muy larga ya que existen dibujos preparatorios fechados en 1903 pero el lienzo definitivo no se concluyó hasta cuatro años después. En una carta fechada el 22 de agosto de 1903 Adele dice que su esposo ha decidido que Klimt le haga un retrato pero que empezarán después del verano. Una vez concluido, el lienzo fue exhibido en los Talleres de Viena en la primavera de 1907 pero su primera exposición pública fue en la Exposición de Arte de 1908. En el "Wiener Allgemeine Zeitung" fue calificado de "ídolo en un santuario dorado".Adele Bauer nació en Viena el 9 de agosto de 1881. Su padre era el importante banquero Moriz Bauer, uno de los miembros de la élite económica austriaca como director de uno de los siete bancos más importantes del Imperio Austro-Húngaro, el Wiener Bankverein.

Hygieia, 1900

El primer escándalo provocado por la pintura de Klimt llegará con las obras del techo del aula magna de la Universidad de Viena. Se trata del contrato oficial más importante firmado por el pintor vienés pero los resultados no fueron del agrado de su cliente e incluso provocaron algún escándalo político. Por desgracia, las tres telas pintadas por Klimt fueron quemadas por las tropas nazis en el Palacio Immendorf, para evitar así que los soviéticos se hicieran con ellas en su avance hacia Berlín. Sólo quedan fotografías en blanco y negro y el estudio de Hygieia, la figura central de La Medicina. Hygieia es la personificación de la salud y la hija de Esculapio. Aparece en la zona baja de la composición definitiva y viste con una larga túnica, a la moda antigua, hierática e indiferente como una "femme fatale" habitual en la obra de Klimt.

Gustav Klimt

Gustav Klimt (Baumgarten, 14 de julio de 1862-Alsergrund, 6 de febrero de 1918) fue un pintor simbolista austríaco, y uno de los más conspicuos representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa. Klimt pintó lienzos y murales con un estilo personal muy ornamentado, que también manifestó a través de objetos de artesanía, como los que se encuentran reunidos en la Galería de la Secesión vienesa. Intelectualmente afín a cierto ideario romántico, Klimt encontró en el desnudo femenino una de sus más recurrentes fuentes de inspiración.2 Sus obras están dotadas de una intensa energía sensual, reflejada con especial claridad en sus numerosos apuntes y esbozos a lápiz,3 en cierto modo herederos de la tradición de dibujos eróticos de Rodin e Ingres. Klimt se convirtió en un personaje muy notable en la alta sociedad vienesa, y estuvo relacionado de un modo u otro con los más notables círculos intelectuales del momento, en una época en la que Viena estaba dejando de ser la capital mundial del arte.

En uno de los escasos textos autógrafos que conservamos, Klint escribió: "estoy convencido de que no soy una persona especialmente interesante. No hay nada especial en mí. Soy pintor, alguien que pinta todos los días de la mañana a la noche. Figuras, paisajes; de vez en cuando, retratos. Las palabras, habladas o escritas, no me salen con facilidad, especialmente cuando tengo que decir algo sobre mí mismo o sobre mi trabajo. (...) Si alguien quiere descubrir algo en mí (...) puede contemplar atentamente mis pinturas y tratar de descubrir a través de ellas lo que soy y lo que quiero".

Cuadros de Vincent Van Gogh

En esta entrada podrás ver las obras más famosas de Van Gogh junto a las que más me gustan personalmente.

La noche estrellada, 1889. 

El cuadro muestra la vista exterior durante la noche desde la ventana del cuarto del sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence, donde se recluyó hacia el final de su vida. Sin embargo, la obra fue pintada durante el día, de memoria.

Almendro en flor, 1890

Inspirándose en la xilografía japonesa, el tema de ramas en flor contra un cielo azul era uno de los preferidos de Van Gogh. El cuadro fue un regalo para su hermano Theo y su esposa, Jo, tras serle informado del nacimiento del hijo de estos, Vincent Willem, nombrado en honor al pintor.

Cráneo fumando un cigarrillo, 1885

Quizá sea ésta una de las imágenes más cómicas pintadas por Vincent. El esqueleto sujeta un cigarrillo encendido entre los dientes, burlándose de los esqueletos presentes en las academias de dibujo para tomar lecciones de anatomía. La figura está resuelta con total libertad creativa al obtener los huesos a través de manchas, apreciándose una especie de línea rectora de color azul en la parte superior del cráneo. Por los tonos y el estilo empleados recuerda al periodo de Nuenen aunque el asunto sea más jocoso.

Niña con naranja, 1890

Van Gogh realizará en Auvers una pequeña serie protagonizada por niños, mostrando una vez más su atracción hacia la temática retratística. Ya durante su estancia en París comentó que prefería pintar los ojos de la gente a pintar catedrales pero la ausencia de modelos motivarán la escasa presencia de esta temática en su producción. En la etapa de Auvers, quizá la más variada, no podía fallar el retrato como podemos admirar en esta niña anónima sentada en la naturaleza, resaltándose los colores de la naranja que lleva entre las manos, la hierba y las flores de alrededor así como su rubio cabello. El color de la fruta se refleja en los mofletes de la pequeña, acentuando su aspecto tranquilo y candoroso, a diferencia de los rostros de los Dos niños. Mientras la figura de la niña está algo más elaborada - especialmente por las líneas negras de los contornos en sintonía con Bernard y Gauguin - en el fondo hallamos un mayor abocetamiento debido a la luz. Además de la expresión de la pequeña, debemos destacar en esta composición la variedad y la brillantez de los tonos empleados, buscando Vincent en ellos su vehículo de expresión.

Vincent Van Gogh

Autoretrato, 1887

Vincent Willem van Gogh (Zundert, Países Bajos, 30 de marzo de 1853-Auvers-sur-Oise, Francia, 29 de julio de 1890) fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo.

Pintó unos 900 cuadros (entre ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y realizó más de 1600 dibujos.

Van Gogh fue esencialmente autodidacta. Desde joven tuvo inclinación hacia el dibujo. Su primer trabajo fue en una galería de arte. Más tarde se convirtió en pastor protestante y en 1879, a la edad de 26 años, se marchó como misionero a una región minera de Bélgica, donde comenzó a dibujar a la gente de la comunidad local. En 1885 pintó su primera gran obra, Los comedores de patatas. En ese momento su paleta se componía principalmente de tonos sombríos y terrosos. La luz y la preferencia por los colores vivos por la que es conocido surgió posteriormente, cuando se trasladó al sur de Francia, consiguiendo su plenitud durante su estancia en Arlés en 1888.

La calidad de su obra fue reconocida solo después de su muerte, en una exposición retrospectiva en 1890, considerándose en la actualidad uno de los grandes maestros de la historia de la pintura. Falleció a los 37 años por una herida de bala de pistola; aún no se sabe con seguridad si fue un suicidio o un homicidio involuntario. A pesar de que existe una tendencia general a especular que su enfermedad mental influyese en su pintura, el crítico de arte Robert Hughes cree que las obras del artista están ejecutadas bajo un completo control; de hecho, el pintor jamás trabajó en los periodos en los que estaba enfermo.