Exhibición Zeus

Zeus es el dios supremo en la mitología griega, llamado Júpiter en la mitología romana y Tinia o Tin en la etrusca. Era hermano de Neptuno y de Plutón: al primero de ellos le dió el mar, y al segundo el infierno, reservándose para sí mismo el cielo y la tierra.

Venció a los gigantes, hijos de Titán y después de la victoria, se entregó por completo a los placeres.

Júpiter era adorado bajo varios nombres en todas partes, pero particularmente en Dodona y en Olimpia; por eso uno de sus muchos nombres era el de Júpiter Olímpico.

Con sólo un ademán o un gesto, hacia temblar el Olimpo. Sus decretos eran inviolables y únicamente las Parcas o el Destino podían ir en contra de ellos.

Juno y Júpiter

Zeus y Tetis, 1811

Júpiter y Juno

Exhibición Venus

Venus era una importante diosa romana relacionada principalmente con el amor, la belleza y la fertilidad, que desempeñaba un papel crucial en muchas fiestas y mitos religiosos romanos. Desde el siglo III a. C., la creciente helenización de las clases altas romanas la identificó como equivalente de la diosa griega Afrodita. De esta forma Venus fue la esposa de Vulcano, Virgilio, como halago a su patrón Augusto y al gens Julia hizo a Venus, a quien Julio César adoptó como su protectora, ancestro del pueblo romano a través de su legendario fundador Eneas y su hijo Iulus.^{[cita requerida]}

Alegoría del triunfo de Venus, 1540

obra pictórica de Bronzino realizada posiblemente entre los años 1540 a 1550, durante la corte del duque Cosme I de Médici.

Amor sacro y amor profano, 1515

 una escena con tres figuras: dos mujeres y un niño alrededor de una fuente de piedra ricamente decorada, situados en un paisaje iluminado por una puesta de sol. Las mujeres, de belleza renacentista, son de similares características, habiéndose pensado en ocasiones que se trata de la misma persona.

Cupido desatando el cinto de Venus, 1788

Se representa de una manera poco habitual a la diosa Venus, recostada en la cama, semidesnuda y ocultando medio rostro con su mano derecha. Mientras, Cupido intenta desatar el cinturón del vestido de la diosa. La joven que sirvió al pintor de modelo fue Emma Hart.

El nacimiento de Venus, 1445

El nacimiento de Venus es una pintura de Sandro Botticelli. El nacimiento de Venus representa una de las obras cumbres del maestro italiano. 

Ofrenda a Venus, 1520

Esculturas Bernini

Miguel Ángel dijo una vez que él no creó esculturas sino, más bien, liberaba seres de dentro de bloques de piedra. Él es conocido por dar vida a la roca. Sin embargo, otro gran escultor logró traer credibilidad a la piedra de modo que parecía moverse y vivir.

Este fue Gian Lorenzo Bernini, un arquitecto italiano y artista nacido en Nápoles y que predominantemente trabajó en Roma. A lo largo de la ciudad queda un rastro de sus obras maestras que realmente hay que ver para creer.



El rapto de Proserpina, 1622

Representa el rapto de Proserpina por el Dios del Inframundo, Plutón. También se encuentra en la Galleria Borghese, esta obra se terminó en 1622, cuando Bernini tenía sólo 23 años. Es una de sus obras maestras, si no su mejor trabajo, debido a la forma en que usa sus materiales. Bajo el toque de Bernini, el mármol es como la carne. Esto es particularmente evidente si nos fijamos en las manos de Plutón sobre el muslo y la cintura de Proserpina, hundiéndose en su piel como si fuera real. Es una escultura asombrosa por sí misma, pero combinada con el drama de la escena y la credibilidad de las expresiones, es impresionante.



Éxtasis de la beata Ludovica Albertoni, 1674

Este trabajo se encuentra en la iglesia de San Francesco a Ripa y es un monumento funerario. Terminado en 1674, fue creado para la capilla de Altieri. Representa la figura piadosa de Ludovica Albertoni, una noble romana que entró en la Tercera Orden de San Francisco tras la muerte de su marido y más tarde beatificada. Ludovica se muestra en comunión mística con Dios y su movimiento arqueado y los pliegues de la ropa de la cama parecen como si tuviese vida real en lugar de ser de piedra.





Apolo y Dafne, 1622

Una de sus obras más famosas, esta esculptura en la Galeria Borghese muestra la ninfa, Dafne perseguida por el dios Apolo. Cuando él la alcanza, sin embargo, ella envía una oración a su padre, un dios del río. Ella desea ser salvada de Apolo y, al hacerlo, la transforma en un árbol. En la escultura vemos como la transformación ocurre. Los brazos de Daphne se vuelven ramas y un tronco aparece debajo de ella.



Éxtasis de Santa Teresa, 1647

Situada en la capilla Cornaro de Santa Maria della Vittoria, representa a Santa Teresa en un estado de éxtasis religioso de una manera teatral. La luz divina brilla en ella desde arriba y un ángel del Señor desciende sobre ella. Teresa, con ostentación de sus túnicas voluminosas, se arqua hacia arriba y hace un gesto de alegría y entra en èxtasis, incapaz de soportar la majestuosidad de lo que le está sucediendo. La pasión de esta historia y la tensión innata de la obra, la aporta realidad y esto hace que el espectador quede conmovido.

Esculturas Antonio Corradini

Antonio Corradini (1688 - 1752) fue un escultor rococó veneciano. Corradini nació en Venecia y trabajó principalmente en el Véneto, pero también completó comisiones en toda Europa, viviendo por períodos de su vida en Alemania, Viena y Nápoles, donde murió, poco después de terminar la modestia (abajo), sin duda su obra más célebre.

Corradini, que fue mejor conocido por sus estatuas de mármol con velo, fue aprendiz de escultor de Antonio Tarsia comenzando a la edad de catorce o quince años. Empezó a trabajar como escultor en 1709, abriendo su propio taller en 1713

Modestia, 1752

Busto de una mujer con velo, 1725

Tuccia

Femme voilée

Exhibición de Cleopatra

Cleopatra ha inspirado a artistas desde el Renacimiento. Ella fue al principio una gran reina a cuyos encantos sucumbieron César y Antonio, dos de los más poderosos líderes militares romanos. Por otro lado, hubo su trágico suicidio, que privó al vencedor al menos de una parte de su triunfo. Aunque los autores antiguos están de acuerdo en que Cleopatra fue mordida en la mano por una serpiente. La mordedura en el pecho era una invención de Shakespeare, que entonces fue llevado con avidez por las artes visuales.

CUADROS

Guido Reni, La muerte de Cleopatra 1625-30

Guido Cagnacci, Muerte de Cleopatra 1658

El banquete de Cleopatra, Gerard Lairesse 1680

La muerte de Cleopatra, Jean-Baptiste Regnault 1796

Cleopatra antes de César, Jean-Léon Gérôme 1866

La muerte de Cleopatra, Hans Makart 1875

Cleopatra probando veneno en prisioneros condenados, Alexandre Cabanel 1887

Cleopatra en las terrazas de Philae, Frederick Arthur Bridgman 1896

Gyula Benczúr, La muerte de Cleopatra 1911

ART DECO


 Henry Clive 1946


Rolf Armstrong, 1939



Joseph Christian Leyendecker, 1920

Esculturas de Alfons Mucha

Nature, 1900

Head Of A Girl, 1900

Nude On A Rock, 1899

Cuadros de Alfons Mucha

Cartel para Sarah Bernhardt, 1894

Mucha retrató a Sara Bernhardt como una exótica noble bizantina llevando un velo y una corona de orquídeas con una rama de palma en la mano. Este traje fue llevado en el último acto de la Gismonda. Mucha representó la belleza y la dignidad de su personalidad en el escenario en lugar de representar sus características realistas. Bernhardt, encantada con el diseño, siguió usandolo para su tour americano en 1896.

Biscuits Lefèvre-Utile, 1896

Esta particular pieza fue creada en 1896 para la compañía francesa, Lefèvre Utile, el año previo ya había hecho algo parecido para la compañía. Esta pieza se hace eco del estilo Art Noveau de Mucha, que está todo los lejos posible de trabajos como Slav Epic y Le Pater.

Calendar champagne, 1897

Madonna Of The Lilies, 1905

En 1902, Mucha fue comisionado para decorar una iglesia en Jerusalén dedicada a la Virgen María. Este es el resultado final de "Madon Of The Lilies", uno de los murales de la iglesia. El proyecto fue cancelado más tarde por razones desconocidas, todo lo que queda de esta comisión es este cuadro y una versión anterior a él. Según la carta de Mucha a su mujer Maruška, él concibió el pryecto como "Virgo Purissima", representando así la visión celestial de Madonna con una masa de lirios, símbolo de pureza. La joven sentada vestida con un traje folclórico eslavo lleva una guirnalda de hojas de hiedra, símbolo de recuerdo. Su expresión y fuerte apariencia física contrasta con la etérea figura de la Virgen.

Las 4 estaciones, 1896

Este fue el primer set de paneles decorativos de Mucha y se convirtió en una de sus series más populares. Fue tan popular que Champenois le pidió a Mucha producir al menos dos sets más basados en el mismo tema en 1897 y 1900. Existen dos diseños más. La idea de personificar las estaciones no era nada nuevo, sin embargo las mujeres-ninfas de Mucha se pusieron en contra de las vistas estacionales del campo y dieron un nuevo soplo al tema clásico. En los cuatro paneles expuestos, Mucha captura el ánimo de las estaciones, inocente primavera, sofocante verano, fructífero otoño y escarchado invierno, y juntas representan el harmonioso ciclo de la naturaleza.